Каково это — быть объединением художников в современной арт-индустрии и что нужно, чтобы чувствовать себя комфортно в этой роли
В сегодняшнем современном искусстве не так просто сходу назвать известные арт-объединения, хотя каких-то сто лет назад именно группировки художников, а не отдельные имена были в авангарде. Тем более интересно, что относительно недавно на московской сцене засветилось объединение художников Proun. Мы встретились с одним из его участников Мисаком Самокатьяном и поговорили о том, в чем сила арт-движения в 2018-м, насколько это явление распространено в мире искусства сегодня и как открыть в Москве собственную галерею и привлечь туда классную публику.
Proun — независимое объединение художников, основанное в 2016 году в Москве. Изначально нас было пятеро: я, Юра Измайлов, Алексей Руденко и группа художников Stain (Саша Гаврилова и Сергей Титов). Наше первое мероприятие проходило в НИИ и представляло собой выставку и аудиовизуальные выступления от участников движения.
Участники Proun разделяют общие эстетические и этические ценности. В случае с первыми это прежде всего минимализм, он объединяет и все работы на выставках, и нас как художников. Другие эстетические составляющие Proun — фокус на световых, ритмических и звуковых структурах, из которых строится наше искусство.
У нас нет кураторов, соответственно, наши выставки целиком и полностью организованы нами. Это значит, что художники сами должны между собой договориться, обсудить концепцию проекта, то, где будет располагаться работа каждого, с каким объектом она будет находиться рядом, и договориться так, чтобы они не мешали друг другу, а дополняли и усиливали эффект, впечатление, которое общая картина должна произвести на зрителя. Мы считаем, что только в таком взаимодействии и может создаваться выставка, максимально глубокая в своем визуальном и концептуальном аспекте.
Термин «Проун» придумал Эль Лисицкий, выполняя задание Малевича. «Проун» расшифровывается как «Проект утверждения нового». Нам очень нравится это слово и искусство Лисицкого, его пространственные композиции. Да, он рисовал в 2D, но его восприятие листа и пространства нам очень близко. И слово очень емкое, звучит современно и актуально, хоть и придумано 100 лет назад. Оно одновременно отсылает к чему-то старому и дает свободу для творчества и нового осмысления, ведь «Новое» и «Утверждение нового» должны быть всегда — просто тогда это одно, а сегодня уже другое. Это совсем не значит, что мы должны делать такие же проуны, как те, что создавал Лисицкий. Скорее, наоборот, оно обязывает нас создавать нечто принципиально новое.
Нас приглашали участвовать в выставках, например в ММСИ (ММОМА), ГЦСИ. Но, когда мы видели списки художников, с которыми мы были бы представлены, у нас не возникало желания согласиться. Это просто нам неблизко и не находило какого-то отклика в душе. И никому не приходило в голову одновременно пригласить на выставку меня, «стейнов», Лешу Руденко. Почему-то мы не укладывались в глазах у галерей и музеев в цельный, законченный проект. Наверное, они мыслят именами и известностью, а не тем, чтобы в рамках выставки работы художников между собой сочетались.
Как сделать выставку, о которой все узнают? Позвать побольше знаменитых художников, и получится выставка, о которой все узнают и заговорят, а каждый художник себе в фейсбук еще и репост сделает. А дружат ли между собой эти художники, подходят ли их произведения друг другу или нет, это как будто отходит на второй план или даже на третий. Это и послужило тому, что мы решили сделать общую выставку так, как мы это себе представляем, у нас ведь настолько близкие по духу работы. А все, что инициируется извне, на наш взгляд, всегда требует слишком большого компромисса с самим собой.
«У художников Proun много общего, и мировоззрение одних участников не противоречит взглядам других. Когда мы в чем-то не согласны, то не воспринимаем это в штыки, а уважаем и принимаем. Можно сказать, что, с одной стороны, мы вместе в силу того, что мы похожи, но также и потому, что хотим держаться подальше от того, что всем нам враждебно».
В нашем искусстве нет политических или социальных заявлений. Темы, которые мы поднимаем, — более глобальные, чем то, о чем художники любят говорить сейчас, по крайней мере те, кто выставляется в музеях. Их интересует что-то остросоциальное, что происходит здесь и сейчас в России или в мире. Наше искусство стремится резонировать со вселенной и мировой гармонией и передавать эти пульсации и ритмы в визуальном и звуковом форматах. Мы отдаем много времени изучению физики, астрономии, структуры материи, вещества, человеческого организма и на основе этого делаем свои работы. Мы считаем, что это и есть вечное, то, о чем человек всегда будет задумываться. Эти темы не привязаны к выборам президента или программе «Моя улица». Через год-два это будет хламом, не имеющим никакой ценности. Нам это неинтересно, наше искусство — трансцендентное.
На нас выйти легко: мы достаточно заметны в мире диджитал-искусства, тем более в Москве. Мы всегда открыты для новых художников, к Proun может присоединиться каждый, кто разделяет нашу философию, взгляды на искусство и принципы работы. Недавно с нами начал работать Абрам Ребров. Он учился в Школе Родченко, сейчас заканчивает «Базу» Осмоловского (Институт «База» — образовательная арт-программа и исследовательская экспериментальная площадка под ректорством Анатолия Осмоловского. — Прим. редакции). Также пришли Катерина Ост, Ильдар Якубов, Паша Сельдемиров, Галина Леонова, Михаил Максимов. Надо сказать, что на деле принятие новичка в коллектив происходит очень медленно: много времени уходит на то, чтобы пообщаться, обсудить работы — как наши и нового человека, так и мировых художников.
Сначала мы заочно знакомимся: видим, что человек добавился в друзья, или мы сами добавляем кого-то, кто делает медиаарт со светом, звуком, генеративной графикой. Потом знакомимся где-нибудь на вечеринке или открытии выставки, дальше начинаем больше общаться и так органично и планомерно узнаем друг друга. А когда делаем выставку, можем предложить кому-то из наших новых знакомых создать арт-объект. Но сразу оговорюсь: одно участие в выставке не говорит о том, что человек стал частью движения. После первой совместной выставки только в общих чертах становится понятно, будем мы дальше звать этого художника или нет.
Еще на стадии создания объектов мы тесно взаимодействуем, вплоть до того, что вместе можем выбирать материалы, из которых впоследствии будут сделаны работы. Это очень важно для визуального разнообразия в работах. В противном случае запросто может получиться так, что ты придешь на выставку, а она вся сделана только из видеопроекций. Конечный продукт — это не отдельно взятый арт-объект, а выставка в целом. Иногда мы берем готовые объекты, если они интегрируются в текущий проект, но обсуждение работ даже в таком случае обязательно. Например, на выставке Proun continuum на минус первом этаже в «Цветном» все работы были мощно интегрированы одна в другую и работали как единый организм.
Причем сначала мы были вынуждены открыть выставку, не успев объединить все в общий визуальный и звуковой ландшафт. Мы просто разместили в пространстве свои объекты, и ребятам из команды «Цветного» все нравилось. А потом мы в одну ночь доработали все согласно изначальной концепции проекта, и когда на следующий день пришли представители «Цветного», то сразу заметили, что что-то изменилось, как будто попадаешь в отдельный мир, хотя все работы те же самые. Такое возможно только при полном доверии и открытости художников друг другу. Вероятно, есть кураторы, которые налаживают связи между участниками выставки, и в результате все получается идеально, но пока я таких не встречал.
Есть галереи, которые собирают художников вокруг себя, но из естественных объединений я могу назвать разве что Sense. Мы с ребятами дружим и сейчас предоставляем им дальнюю комнату в нашем пространстве, где Максим Соленков, идеолог этого движения, будет делать свою экспозицию.
Что касается зарубежных, то на ум приходит AntiVJ — это очень известное объединение художников, но мне кажется, сейчас они как будто остались на том же уровне, что и пять лет назад. Есть движения, выходящие за рамки визуального искусства, например фестиваль Berlin Atonal и музыкальные лейблы, которым культура объединения больше свойственна, чем визуальным явлениям. Когда-то было такое объединение, как Raster-Noton, сейчас оно распалось на два независимых направления. Оно считается передовым в области новаторской технологичной музыки. Что немаловажно, у его участников были аудиовизуальные выступления, они одними из первых в мире начали использовать видеоработы во время концертов.
«Если ты придешь на вечеринку, и там будет играть минимал-техно, а потом его сменит Верка Сердючка, ты, наверное, немного удивишься и уйдешь. В визуальном искусстве почему-то это ок — ты приходишь в музей, здесь видишь минималистичную картину, проходишь дальше, а там уже барокко, и ты воспринимаешь этот переход достаточно мягко. В музыке тебя от подобного сразу начинает колотить».
Сейчас в визуальном искусстве все стали более самостоятельными, дистанцировались друг от друга. Мы же чувствуем себя в объединении гораздо лучше. Мы не видим, чтобы отдельные художники на данном этапе развития искусства в Москве могли организовать себя настолько, чтобы открыть пространство и суметь так засветиться. Это при том, что у нас нет большого опыта в организации выставок и промоушене.
«В галерею приходят люди и говорят, что этим летом в Москве только две интересных арт-точки — мы и V-A-С. Но надо сказать, что в V-A-С вкладываются огромные деньги, а мы свободные художники, у которых порой нечем заплатить за квартиру. И это говорит о том, что, объединившись, люди могут достигать целей даже без колоссальных ресурсов».
Для таких проектов, как «Выставка нового», в Москве не очень много площадок. Мы обсуждали дела с «Винзаводом» и даже получили согласие, но в итоге не вышло. Спустя месяцев восемь мы решили, что надо попробовать сделать свое пространство и устраивать выставки тогда, когда они у нас созревают на интеллектуальном уровне. Важно делать выставку, пока ты не перегорел. А для того, чтобы все складывалось, удобнее иметь свою площадку, а не ждать зала в ММАМ год, два или даже пять лет. Думаю, московский арт-мир сильно изменится, если больше художников будут работать в таком формате.
За эту сторону целиком отвечает еще один полноправный участник нашего объединения Катя Ширяева. Образовательную программу можно разделить на две части — лекции и практические занятия, воркшопы, мастер-классы, концерты. Одну из своих первых лекций у нас читала Елена Никоноле. Сейчас она уже читает цикл лекций в «Гараже», а мы ее открыли раньше, и нам это приятно. Был у нас и Егор Крафт с лекцией и мастер-классом, он большой и уважаемый художник, который ездит с выступлениями по всему миру и редко бывает в Москве, нам очень повезло. Была Ирина Кулик, она преподает в ИПСИ (Институт проблем современного искусства. — Прим. редакции) и уже лет десять минимум читает лекции в «Гараже». Еще мы можем похвастаться, что именно у нас прочитал свои первые и единственные две лекции Михаил Борзенков. Мы будем и в дальнейшем сотрудничать, ему нравится у нас, нравится публика. Читал лекцию и Дмитрий Булатов, куратор Калининградского филиала Государственного центра современного искусства. Планируем сотрудничать с Кириллом Преображенским. Это крутые профессионалы и интересные герои. Мы платим всем нашим лекторам хоть и небольшие, но гонорары.
Наверное, так как я недавно закончил Школу Родченко, легко говорить, что это необязательно, но это будет звучать странно. Я шел в Школу с определенными целями и задачами — изучить историю современного искусства, научиться понимать его глубже, знать, какие течения как развивались. Все это я получил и не могу ни на что жаловаться. При этом я сохранил путь, по которому шел до того, как туда поступил. Я знаю многих ребят, у которых после выпуска изменились визуальный язык и темы, о которых они говорят. В этом, на мой взгляд, пагубное влияние школы. Но некоторые за этим и приходят, чувствуя себя чистым листом, который нужно заполнить. В любом случае я уверен, что образование — это всегда хорошо.
Что почитать художнику
1. «Трактат о ритме, цвете и орнитологии» Оливье Мессиана.
2. «Учение о слуховых ощущениях как физиологическая основа для теории музыки» Германа Гельмгольца. Обе книги о звуковом искусстве, но на самом деле это фундаментальные вещи, которые на глубинном уровне дают осознание устройства мира и гармонии, которая имеет прямое отношение и к визуальному. Если ты будешь читать эти книги внимательно и смотреть на них более абстрактно, то это станет стимулом и в визуальном плане.
3. «Столп и утверждение истины» Павла Флоренского.
Только что в Proun Moscow завершилась «Выставка нового», в рамках которой мы пытались понять, что можем делать сейчас такого, чего художники прошлого не могли. Мы сконцентрировались именно на этом аспекте, постарались свести в наших работах к минимуму то, что публике уже знакомо из искусства других эпох, и раскрыть именно инновации. Вскоре мы планируем сделать «Выставку утверждения нового», ведь логично после первой выставки утвердить «новое», которое мы показали. Мы будем дальше развивать начатые нами темы.
Что касается нашей галереи, то тут у нас есть планы на год. Также мы хотим организовать выставки за границей, возможно, в Лос-Анджелесе, Лондоне, Гонконге. Московские выставки дают нам возможность всему научиться и в плане создания работ, и в организационных вопросах, и в монтаже. Мы думали сразу делать выставку в Лондоне, но сейчас понимаем, что было очень мудрым решением не спешить и сперва сделать выставку здесь.
Просто создавайте. Как сказал выступавший у нас Дмитрий Булатов, «меньше читайте умных книжек — больше делайте своих работ». И, пожалуй, я с ним соглашусь. У меня есть знакомые, которые много читают и говорят о сложных материях, но почему-то все эти разговоры никак не превращаются в реальные объекты, не дают результата. Больше работайте, а потом будет видно, что получилось хорошо, а что — не очень. У меня есть видеоработа, в которой рука ловит световой куб, — она как раз о том, что ты создал объект, отпустил его и идешь дальше, пытаешься поймать новый, не зацикливаясь на том, что ты сделал до этого. Даже если это что-то классное, не надо с этим носиться и заставлять всех смотреть — лучше работать дальше и совершенствоваться.
Выбор редактора
Подборка Buro 24/7